La primera exposición de Fotografía del siglo XXI que tiene gato

Adelante, por favor. Tenemos el gusto de presentar a ustedes Lady Phot O’Graphy. Tiene 178 años y una galaxia de fans y descendientes. Por los milagros permanentes de la ciencia, Lady Phot es una espléndida joven fotogénica, dotada de una asombrosa vitalidad creativa en el ámbito del arte actual.

La Fotografía es al mismo tiempo técnica, lenguaje y género artístico. Es una ciencia aplicada que sustenta e inspira un arte. Su papel puramente documental, informativo y notarial, incluso, es asunto de décadas anteriores y estéticas caducadas. Ahora, y más aún en un futuro cercano, la Fotografía es, y será, el medio predilecto de una mayoría de artistas punteros que exploran con ella no el mundo objetivo, sino el interior, el “Mundo Propio” de cada creador.

El artista contemporáneo reclama e incluye la Fotografía en cada fase del proceso creativo, desde el experimento inicial hasta la consecución de la obra acabada convertida o convertible en objeto museable convencional.

La lente fotográfica investiga, registra, sucita emociones y las expresa, traduce, transmite, inmortaliza.

En la exposición Mundos Propios, Variaciones y perspectivas en la Fotografía andaluza de hoy, Fundación Valentín de Madariaga, Sevilla, del 19 de enero al 18 de marzo, una sola cosa se echa de menos: la foto Kirlian.

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En primicia y exclusiva, divulgaremos el Menú de la cena inaugural.

Menú

Lente con risa y flash anular

Ojo de pez en papel de albúmina

Entremés de Cianotipia

Polvo de magnesio con clorato potásico

Entremés de colodión

Postre a elegir entre:

Polaroid

y

Teleobjetivo para indiscretos y escoptófilos

Vinos:

Nitrato de Plata (Blanco)

Hiposulfito de sodio (Tinto)

TuboXenón (Cava)

Sevilla, 19 de enero de 2012

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Braguitas y porta-braguitas de carne

Basado en la silla de Ionesco y de Etre Dieu, se hizo una Performance de Body Art de última generación.

 Dentro del primer cajón, hay una silla.

 Los cajones fueron extraídos del muro del jardín de la Villa de sir Tristan.

Título alternativo:

Silla dentro de un cajón versus tres cajones sobre una silla.

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performance san sebastian feminista

Performance realizada en 2006, Pabellón de Uruguay, Sevilla.

Fotografía: Anna Jonsson

La artista transforma el martirio de San Sebastián, asaetado, en el martirio de la mujer, esclava de las faenas domésticas, que evocan las pinzas de colgar ropa.

Las pinzas representan las flechas y la performer se las clava en la piel artificial de su body, pues está realizando una obra de Body art de última generación. En esta clase de body art, el recurso a la piel artificial, en este caso de color negro, sirve para recordar los versos del Cantar de los cantares que dicen: “Nugra sum, sed formosa.”

La música que acompaña la acción es de Johann Sebastian Bach, un verdadero martirio para los oídos.

El texto completo de la Partitura de Performance es el siguiente:

Re-visión feminista del martirio de San Sebastián (Bach)

Érase una vez un pintor que deseaba realizar una obra sobre el tema del martirio de San Sebastián. Consultó los libros especializados en la materia y se dió cuenta de que los maestros del pasado habían representado al santo, sea atado a una columna dentro de un palacio, sea atado a un árbol en plena naturaleza.

Se sospecha que nuestro pintor era ecologista, pues optó por salir al campo en busca del lugar idoneo para pintar del natural a su San Sebastián.

Llegado a una alfombra de verde césped sembrada de flores, donde había algo que se podía interpretar, paranoia mediante, como un tronco de árbol cortado (una silla), decidió acometer su obra allí mismo.

Al desplegar su caballete de plenaerista, éste adoptó súbitamente la forma de un caballo, entre cubista y abstracto, invitando el pintor a cabalgarlo, cosa que hizo inmediatamente, pensando que, de ese modo, llegaría más lejos que sus antecesores en la obra que se proponía realizar.

Pues “lejos” es el único lugar adonde el artista quiere de veras llegar.

Pero así, no cabía en el caballete el lienzo tradicional dispuesto a recibir las pinceladas académicas.

De modo que se le ocurió al pintor la idea de convertir a su modelo en la obra misma.

Desde su caballete-caballo dispararía sus flechas, que son sus ideas, y también sus pinceladas de colores, directamente sobre el modelo, transformándolo así en el asaetado mártir del año 288 p. C.

Invitó a su modelo a prepararse para posar. Éste se quitó prestamente sus escasas ropas: chal, cinturón, guantes, botas. Encontrándose indecente, optó por cubrir la desnudez que convenía ocultar, los pies.

Ahora, preparar los colores. Como ven ustedes, los colores están precintados, garantía de la primicia absoluta de la obra que van a ver, por lo demás exigible a todo Performer.

Se mezclarán los colores en este saco. Todo está listo para empezar la obra. No. Falta la inspiración divina. Nos la facilitará la música de Johann Sebastian Bach. Suites para cello solo, por Pau Casals, en una grabación de 1936.

(02.06.2006)

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Algunos comentarios adicionales para ayudar a comprender mejor la obra.

El título puede ser “Visión”, “Re-visión”, o “Versión” del susodicho martirio.

En la bolsa, hay 80 pinzas de colgar ropa, de 4 colores a juego.

El decorado consta de la alfombra china de color verde césped con sus flores. Una silla de madera (árbol) sobre la que posa el modelo. Diversos accesorios.

El modelo desnudo de raza negra se transforma en San Sebastián conforme le alcalzan, en forma de pinzas multicolores, las pinceladas del pintor como alcanzaron las flechas que transformaron a Sebastián en mártir y en santo.

El modelo (que es la Performer autora de la obra que se ve en la fotografía), se clava a sí mism@ las saetas/pinzas para expresar la idea de que San Sebastián es un masoquista, como la mayoría de los mártires. Sufre por placer. El color del masoqista es el negro.

Se ha dicho que San Sebastián es el santo patrón de los homosexuales, ahora lo es también del piercing.

Eso da licencia para que una mujer pueda desempeñar este papel. Máxime si se trata de un andrógino, como lo es la autora retratada.

Las pinzas que sustituyen las flechas son menos hirientes en apariencia, pero simbolizan el trabajo doméstico no valorado de las mujeres.

 Se trata de una Performance de reivindicación feminista.

 Es Action painting abstracta.

Es New Body Art, o Body art (tra)vestido.

La artista (Performer) encarna a la obra de arte (total) que ahora, debido a los adelantos técnicos, es capaz de hacerse ella misma y ella sola.

Al artista, mero acólito, le queda el único trabajo de firmar la obra.

La “obra” está en un nivel más alto que los supuestos artífices de la obra: eso justifica el hecho de que el modelo esté encima de una silla, que sirve de peana a la obra en un espacio seudo museístico (el vestíbulo del Pabellón de Uruguay, de Sevilla).

El conjunto de la Performance está coreografiado, sobre la música de Bach.

Cada color de pinza se canta del siguiente modo:

la vocal mántrica “I” para el verde; la vocal “O”, para el azul; para el amarillo, la vocal “E”; y para el naranja, la vocal “A”.

El rótulo final reza así:

United colors of Almaida.

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Accionista en acción

Fotoperformance de los billetes noveles.

El Poema Objeto se comporta como Accionista y se hace Fotografiar mientras actúa.

 

Hay personas que me han comentado que los billetes debieran de ser “falsos”. Pero esto no es cierto. Los billetes son tan verdaderos y auténticos como lo es el cuerpo del artista de acción cuando realiza su obra, ante un público o ante la cámara.

En el arte de la Performance, todo es verdad. Como en el sueño y como en la poesía.

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Cuando canté en la Scala

Como se sabe por mi Curriculum Vitae, he tomado clases de Bel Canto. Algunas malas lenguas han difundido la noticia de que mi profesor me había enseñado a cantar como una rana desafinada. No obstante, no fue éste el objetivo de mi estudio. Deseaba saber si “tenía” las dos octavas. Las tengo. De Fa2 a Fa4. No puedo dar el Do de pecho, pero me conformo con mi suerte, pues me compensa haber pisado una vez en mi vida el escenario de la Scala.
En Milán.
No importa que fuera ante una sala vacía.
Pues sabiendo que yo iba a subir al escenario, todo el mundo se marchó.
A comprar paraguas.
Todo el mundo, excepto un brujo de Vudú, que se fue a comprar una jaula.
Para encerrar el gallo que yo solté.
Sucedió de esta manera. Abrí la boca y di una nota. Una negra. Y en lugar de un gallo, me salió una gallina.
Casi lo mismo que a Dalí cuando quería ser cocinera. Se transformó en gallo.
Al regresar a la Scala con su jaula, el brujo quedó encantado. Piénsenlo: ¡una gallina negra! Mucho mejor para los exorcismos. Y además, que canta como un gallo… Algo que luego reciclé en mi ballet Di.Da.Da. (2004).
No se podía pedir más.
Mi éxito fue tal, que casi el brujo me lleva consigo contratada a Haiti.
Pero tenía ya un compromiso: para la Navidad del año 2000, tenía que cantar El Mesías en el Teatro de la Maestranza.
Fue una pena.
Quiero decir, no haber podido seguir al brujo.
Habría sido mi mejor Performance.

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Performance del minuto, o la demostración de mi genio

Cómo demostrar que el Performer es un genio, en apenas un minuto.

El texto de la partitura de esta Performance dice lo siguiente:

Chopin. Vals del Minuto.

Chopin era un genio, yo también. Lo demuestro.

Un genio es alguien que tiene ideas geniales. Yo, para tener una idea genial, me rasco la coronilla con el dedo gordo del pie.

Si la idea genial no llega al instante, castigo: muerdo ferozmente mi dedo gordo.


Si el castigo no basta, hay otro argumento irresistible. Me golpeo la coronilla con el talón.

No hay idea alguna que, golpeada de esa manera, no salga genial de mi cabeza.

Conclusión: Yo soy un genio.

Y… no he tardado más de UN minuto para demostrarlo.

¿Genial, no?”

Autor de la fotografía: Benito Murillo Reche.


Fecha:
Noviembre de 2007

Performance realizada con motivo de la celebración del Primer Aniversario de Laboratorio de Arte de Acción en su Taller Permanente de Investigación de la Obra de Arte Total (TPIOAT).

Nota a pie de página: Cuatro años después, sigo utilizando la misma técnica con aún mejores resultados, eso sí, gracias a la pericia de mis Fisioterapeutas Rosa y Mariángeles, a las que mando un abrazo desde estas líneas.

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Reloj blando de carne ma-dura y huesos “mu” duros

Fotografía de “jmrogo”, el 24 de abril de 2009.

Postura de Yoga: SUPTA-VAJRASANA.

Hay que imaginar una línea curva que envuelve el cuerpo arqueado de manera a dibujar un reloj blando, a la manera de los que pintara Salvador Dalí a partir de 1931.

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Una vez trazada la línea, se colocan los números de las horas, en desorden a ser posible.

En la zona lumbar, colocar el ocho, en postura horizontal. Es el símbolo matemático del infinito.

 

El símbolo de infinito, en Wikipedia, donde también se nos dice lo siguiente:

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Los orígenes del símbolo de infinito \infty son inciertos. Dado que la forma se asemeja a la curva lemniscata (del latín lemniscus, es decir cinta), se ha sugerido que representa un lazo cerrado.

También se cree posible que la forma provenga de otros símbolos alquímicos o religiosos, como por ejemplo ciertas representaciones de la serpiente uróboros. El matemático John Wallis fue el primero en usar el símbolo \infty para representar al infinito en su tratado De sectionibus conicus en 1655.

Se ha querido ver también una banda de Möbius en su forma, aunque el símbolo se usó durante cientos de años antes de que August Möbius descubriera la banda que lleva su nombre.

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En la Performance de Body Art, el reloj es de carne y hueso. Recuerda a los diversos objetos “de carne” dibujados por Dalí.

Por definición, la carne es blanda,  y si formamos un reloj de carne, éste será blando también. Pero si la carne es la de una mujer madura, que conserva su flexibilidad de bailarina, es un reloj de carne madura. El juego de palabras consiste en decir que la cosa es a la vez blanda y dura, blanda ma (pero, en italiano) dura.

Y como dentro de la carne, hay huesos, aunque no lo parezca debido a la hiperlaxitud de la que ya hablamos en nuestro “post” de “Bienvenida” a ese blog, el reloj contiene esos huesos, que son duros por definición. Lo que nos conduce a decir que el reloj es de huesos, pero no “ma”-duros, sino “mu” duros, pues “mu” es a la vez una mala pronunciación de “muy” y el continente de la Tercera Raza Raíz, la Humanidad Mu, anterior a los Atlantes, según el Teosofismo.

Y eso significa que la artista que hizo esta Performance, un 24 de abril de 2009 en Sevilla, estaba a un día de fabricar la Piedra Filosofal, la cual, todo el mundo sabe que se fabrica el 25 de abril a las cinco de la tarde, al menos Nicolas Flamel lo sabía cuando la fabricó en 1382.

Por ese motiva, la artista ya ha desaparecido y ha dejado de actuar. La fotografía que se ve al inicio es la última que se tiene de ella, en el último minuto marcado en el reloj de su vida pública.

 

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